“Fix You” adalah salah satu lagu paling emosional dan ikonik dari band asal Inggris, Coldplay. Dirilis pada tahun 2005 sebagai bagian dari album X&Y, lagu ini menjadi simbol penghiburan, harapan, dan cinta tanpa syarat. Dengan lirik yang penuh makna dan melodi yang sederhana namun menyentuh, “Fix You” telah menjadi salah satu lagu yang paling dikenang dalam katalog Coldplay. Lagu ini sering diputar pada momen-momen emosional di kehidupan banyak orang, dari pernikahan hingga pemakaman, dan selalu berhasil menyentuh hati para pendengarnya.
“Fix You” adalah lagu tentang memberikan dukungan kepada seseorang yang sedang mengalami masa sulit. Liriknya yang jujur dan tulus menggambarkan upaya untuk menyembuhkan hati yang terluka dan membawa penghiburan kepada orang yang dicintai. Baris seperti “Lights will guide you home, and ignite your bones, and I will try to fix you” menyampaikan pesan bahwa cinta dan dukungan dapat membantu seseorang melewati masa-masa tergelap mereka.
Chris Martin, vokalis Coldplay, mengungkapkan bahwa lagu ini awalnya ditulis sebagai bentuk dukungan untuk istrinya saat itu, aktris Gwyneth Paltrow. Paltrow kehilangan ayahnya, Bruce Paltrow, pada tahun 2002, dan “Fix You” adalah cara Chris Martin menyampaikan cintanya dan menawarkan penghiburan di tengah kesedihan. Lagu ini mencerminkan perasaan bahwa meskipun tidak mungkin untuk benar-benar memperbaiki seseorang atau menghapus rasa sakit mereka, hanya dengan hadir dan memberikan cinta sudah cukup untuk membantu mereka bangkit kembali.
Namun, makna lagu ini tidak hanya terbatas pada pengalaman pribadi Chris Martin. “Fix You” memiliki pesan universal tentang harapan dan dukungan, yang membuatnya dapat diinterpretasikan oleh siapa saja yang pernah berusaha membantu orang yang mereka cintai melalui masa sulit.
Chris Martin pernah mengungkapkan bahwa salah satu elemen paling khas dari “Fix You”, yaitu organ yang dimainkan di awal lagu, berasal dari organ tua yang diberikan oleh ayah Gwyneth Paltrow kepada mereka sebagai hadiah pernikahan. Organ ini menjadi inti dari suasana emosional lagu, memberikan nuansa kehangatan dan spiritual yang sangat kuat.
Lagu ini berkembang dari ide awal Chris Martin dan kemudian disempurnakan oleh seluruh anggota band. Struktur lagu yang unik, dengan bagian pertama yang lembut dan perlahan membangun intensitas hingga klimaks emosional di akhir, dirancang untuk membawa pendengar dalam perjalanan emosional. “Fix You” adalah salah satu contoh sempurna dari keahlian Coldplay dalam memadukan kesederhanaan melodi dengan kekuatan emosional yang besar.
“Fix You” dimulai dengan suara organ yang lembut, diiringi oleh vokal Chris Martin yang penuh perasaan. Bagian awal lagu terasa seperti bisikan penghiburan, memberikan suasana intim yang membuat pendengar merasa dekat dengan pesan lagu. Saat lagu berkembang, instrumen lain mulai masuk, termasuk gitar listrik yang dimainkan oleh Jonny Buckland, menciptakan suasana yang lebih besar dan megah.
Klimaks lagu terjadi di bagian akhir, di mana seluruh band bermain dengan penuh semangat, menciptakan ledakan emosional yang menggetarkan hati. Dengan lirik sederhana seperti “Tears stream down your face, when you lose something you cannot replace”, Coldplay berhasil menyampaikan perasaan duka dan harapan dengan cara yang sangat mendalam. Transisi dari keheningan yang lembut ke suara yang penuh energi membuat “Fix You” menjadi perjalanan musikal yang luar biasa.
“Fix You” menjadi salah satu lagu paling populer dalam diskografi Coldplay. Lagu ini tidak hanya sukses secara komersial tetapi juga memiliki dampak emosional yang mendalam pada penggemar di seluruh dunia. “Fix You” sering dianggap sebagai salah satu lagu terbaik Coldplay dan menjadi sorotan dalam setiap konser mereka, di mana penonton biasanya menyanyikan lagu ini bersama-sama dengan penuh perasaan.
Lagu ini juga sering digunakan dalam berbagai acara televisi, film, dan upacara penting, terutama dalam momen-momen yang membutuhkan penghiburan dan refleksi emosional. Misalnya, lagu ini digunakan dalam acara amal untuk membantu korban bencana alam dan tragedi lainnya, menjadikannya lagu yang melambangkan harapan dan solidaritas.
“Fix You” adalah lagu yang menunjukkan kekuatan cinta dan dukungan dalam menghadapi masa-masa sulit. Pesan utama lagu ini adalah bahwa meskipun kita tidak selalu bisa memperbaiki keadaan atau menghapus rasa sakit seseorang, kehadiran kita dan upaya untuk membantu mereka bangkit kembali adalah hal yang sangat berarti. Lagu ini mengajarkan kita bahwa harapan dan cinta adalah hal-hal yang tidak pernah bisa diremehkan, terutama di saat-saat tergelap.
Lagu ini telah menjadi bagian penting dari perjalanan musik Coldplay dan terus dikenang sebagai salah satu karya terbaik mereka. “Fix You” adalah bukti bahwa musik bisa menjadi alat yang kuat untuk menyampaikan perasaan, menyentuh hati, dan membawa penghiburan kepada mereka yang membutuhkannya.
“Pumped Up Kicks” adalah lagu debut yang membawa nama band indie-pop Foster The People ke puncak ketenaran. Dirilis pada tahun 2010 sebagai bagian dari album Torches, lagu ini dengan cepat menjadi hit besar karena melodi yang catchy, ritme yang santai, dan vibe yang menyenangkan. Namun, di balik melodi ceria tersebut, tersembunyi sebuah pesan yang sangat gelap. Lagu ini mengeksplorasi tema kekerasan senjata dan efek psikologis yang dapat mendorong seseorang menuju tindakan berbahaya, seperti penembakan di sekolah.
Kombinasi antara melodi ceria dan lirik yang mencekam membuat lagu ini menarik perhatian dunia, menjadikannya salah satu lagu yang paling kontroversial namun berpengaruh di dekade 2010-an.
Makna di Balik Lirik
Di permukaan, “Pumped Up Kicks” terdengar seperti lagu santai yang sempurna untuk dinikmati saat berkumpul bersama teman. Namun, jika mendalami liriknya, lagu ini mengungkapkan narasi yang jauh lebih suram. Liriknya menceritakan dari sudut pandang seorang remaja yang mengalami isolasi sosial dan memiliki pikiran gelap tentang kekerasan. Baris seperti “All the other kids with the pumped up kicks, you’d better run, better run, outrun my gun” menggambarkan ancaman eksplisit terhadap orang-orang di sekitarnya.
Mark Foster, vokalis dan penulis lagu utama Foster The People, mengatakan bahwa ia menulis lagu ini untuk memulai percakapan tentang kekerasan senjata di Amerika Serikat, khususnya insiden penembakan di sekolah. Lagu ini bertujuan untuk menggambarkan sisi gelap dari isolasi sosial, gangguan mental, dan konsekuensinya yang mengerikan. Foster mengaku ingin mengangkat isu ini dengan cara yang tidak langsung atau eksplisit, sehingga orang akan lebih fokus pada pesan setelah mereka menyadari makna di balik liriknya.
Proses Kreatif dan Inspirasi
Mark Foster menulis “Pumped Up Kicks” di apartemennya dalam waktu yang relatif singkat. Awalnya, ia tidak berniat membuat lagu ini menjadi hit besar. Foster sedang bereksperimen dengan produksi musik dan menulis lagu untuk bersenang-senang. Namun, ketika ia menyelesaikan lagu ini, ia menyadari potensi yang dimilikinya.
Inspirasi untuk tema lagu ini berasal dari artikel berita dan diskusi seputar kekerasan senjata di Amerika. Foster merasa prihatin terhadap peningkatan insiden penembakan di sekolah dan ingin mengeksplorasi pikiran seseorang yang mungkin merasa terisolasi dan beralih ke kekerasan sebagai pelampiasan. Ia juga mencoba menangkap bagaimana rasa frustrasi dan marah dapat memanifestasikan dirinya dalam cara yang destruktif.
Melodi dan Kontras dengan Lirik
Salah satu alasan mengapa “Pumped Up Kicks” begitu unik adalah kontras mencolok antara melodi dan liriknya. Lagu ini menggunakan melodi pop yang ringan, ritme yang santai, dan suara synth yang ceria. Beat yang santai menciptakan suasana yang hampir tropis, seperti lagu yang cocok untuk suasana santai di pantai. Namun, liriknya yang gelap menciptakan benturan emosional yang mengejutkan pendengar ketika mereka mulai memahami arti sebenarnya dari lagu ini.
Kombinasi ini adalah salah satu kekuatan utama lagu ini, karena menarik perhatian pendengar dengan melodi yang adiktif tetapi kemudian memaksa mereka untuk merenungkan pesan yang lebih mendalam. Lagu ini menjadi bukti bagaimana musik dapat digunakan sebagai alat untuk membahas isu sosial yang kompleks.
Kesuksesan dan Pengaruh
“Pumped Up Kicks” meledak di tangga lagu internasional, mencapai posisi tinggi di berbagai negara, termasuk nomor 3 di Billboard Hot 100. Lagu ini juga menjadi viral di berbagai platform musik dan media sosial, memperkenalkan Foster The People ke audiens global. Kesuksesan ini sangat mengejutkan bagi band yang saat itu baru saja memulai karier mereka.
Selain itu, “Pumped Up Kicks” mendapatkan berbagai nominasi penghargaan, termasuk Grammy Awards untuk kategori Best Pop Duo/Group Performance. Lagu ini juga sering diputar di radio, acara televisi, dan film, meskipun liriknya kontroversial.
Namun, karena temanya yang sensitif, lagu ini juga menghadapi kritik. Beberapa stasiun radio menolak memutar lagu ini setelah beberapa insiden penembakan sekolah yang terjadi di Amerika Serikat. Beberapa orang merasa bahwa lagu ini terlalu ringan untuk membahas isu yang serius, meskipun Mark Foster sendiri menyatakan bahwa tujuannya adalah untuk meningkatkan kesadaran, bukan untuk memuliakan kekerasan.
Pesan dan Warisan
“Pumped Up Kicks” adalah contoh bagaimana musik dapat digunakan untuk mengeksplorasi isu sosial yang kompleks. Mark Foster menciptakan lagu ini bukan untuk mengeksploitasi tragedi, tetapi untuk mengingatkan bahwa kekerasan sering kali berakar dari masalah yang lebih dalam, seperti isolasi, gangguan mental, dan kurangnya dukungan sosial.
Lagu ini juga mengajarkan pentingnya memahami konteks di balik lirik, karena apa yang terdengar seperti lagu pop biasa mungkin sebenarnya menyampaikan pesan yang lebih mendalam. Meskipun menuai kontroversi, “Pumped Up Kicks” telah berhasil memulai percakapan tentang kekerasan senjata dan dampaknya terhadap masyarakat, menjadikannya salah satu lagu paling berpengaruh di era modern.
“Shape of You” adalah salah satu lagu terbesar dari Ed Sheeran yang dirilis pada tahun 2017 sebagai bagian dari album ÷ (Divide). Lagu ini langsung menjadi fenomena global, mendominasi tangga lagu di seluruh dunia dan menjadi salah satu karya paling populer dalam katalog musik Sheeran. Dengan melodi yang adiktif, beat yang modern, dan tema yang santai namun menggoda, “Shape of You” menghadirkan sisi Ed Sheeran yang lebih playful, berbeda dari balada romantis yang sering diasosiasikan dengan dirinya.
Awalnya, Ed Sheeran tidak berencana untuk menyimpan “Shape of You” untuk dirinya sendiri. Lagu ini ditulis bersama produser Steve Mac dan Johnny McDaid (dari Snow Patrol), dan Sheeran awalnya berpikir untuk menyerahkan lagu ini kepada penyanyi perempuan seperti Rihanna. Namun, saat proses penulisan berjalan, Sheeran merasa bahwa lagu ini sangat cocok dengan gayanya, terutama karena melodi dan ritmenya yang menyenangkan dan penuh energi.
Sheeran juga pernah menjelaskan bahwa lagu ini terinspirasi dari hubungan modern, terutama yang berawal dari ketertarikan fisik. Berbeda dari lagu-lagu cinta romantis khas Sheeran, “Shape of You” lebih fokus pada daya tarik instan yang dirasakan seseorang terhadap orang lain—sebuah cerita tentang pertemuan di bar dan bagaimana hubungan bisa berkembang dari sana.
Lirik “Shape of You” bercerita tentang awal mula hubungan romantis yang dimulai dari ketertarikan fisik. Frasa seperti “I’m in love with the shape of you” mencerminkan bagaimana penampilan fisik dapat memikat seseorang, tetapi seiring berjalannya waktu, hubungan itu tumbuh menjadi lebih dari sekadar ketertarikan fisik.
Namun, lirik ini juga menampilkan sisi santai dan playful, dengan Sheeran menggambarkan pertemuan pertama di bar, percakapan ringan, dan chemistry yang berkembang di antara dua orang. “We push and pull like a magnet do” adalah metafora untuk daya tarik emosional dan fisik yang dirasakan dalam hubungan awal tersebut.
Meskipun liriknya sederhana, pesan dari lagu ini adalah tentang menikmati hubungan apa adanya tanpa terlalu banyak beban emosional, yang membuatnya cocok untuk pendengar dari berbagai kalangan.
“Shape of You” memiliki elemen musik yang unik, memadukan beat dancehall yang ceria dengan melodi pop yang adiktif. Ritme yang mengalir membuat lagu ini mudah untuk dinyanyikan dan dinikmati oleh pendengar. Salah satu ciri khas dari lagu ini adalah penggunaan instrumen perkusi yang minimalis namun efektif, menciptakan suasana yang santai namun energik.
Lagu ini juga menampilkan sisi eksperimental Sheeran, di mana dia bermain-main dengan struktur lagu dan suara. Tidak seperti kebanyakan lagu pop yang dimulai dengan chorus, “Shape of You” langsung memulai dengan hook vokal Sheeran yang ikonik, menarik perhatian pendengar sejak detik pertama.
“Shape of You” mencetak rekor luar biasa di seluruh dunia. Lagu ini menduduki posisi nomor satu di tangga lagu Billboard Hot 100 selama 12 minggu berturut-turut, serta mencapai puncak tangga lagu di lebih dari 30 negara. Lagu ini juga menjadi lagu yang paling banyak diputar di Spotify selama bertahun-tahun, dengan lebih dari 3 miliar stream hingga saat ini.
Selain itu, “Shape of You” memenangkan penghargaan bergengsi, termasuk Grammy Award untuk kategori Best Pop Solo Performance. Lagu ini juga memecahkan berbagai rekor streaming dan penjualan, menjadikannya salah satu lagu paling sukses dalam sejarah musik pop modern.
Video musik “Shape of You” menghadirkan cerita yang menarik, di mana Sheeran memerankan seorang petinju amatir yang jatuh cinta dengan sesama atlet wanita yang kuat dan tangguh. Video ini menampilkan perjalanan mereka melalui latihan keras, hubungan romantis, dan akhirnya tantangan besar dalam bentuk pertarungan yang tidak terduga.
Video ini berbeda dari lagu-lagu cinta biasanya, karena menyoroti kekuatan fisik dan semangat kompetitif, mencerminkan energi lagu itu sendiri. Elemen cerita dalam video musik ini memperkuat pesan lagu tentang ketertarikan fisik dan hubungan yang didasarkan pada chemistry dan rasa saling mendukung.
“Shape of You” bukan hanya tentang cinta; lagu ini juga adalah perayaan spontanitas, daya tarik instan, dan kesenangan dalam menjalin hubungan. Lagu ini menyampaikan pesan bahwa cinta bisa dimulai dari mana saja, bahkan dari hal-hal sederhana seperti percakapan di bar atau tarikan magnetis dari daya tarik fisik.
Dengan melodi yang ceria dan lirik yang relatable, lagu ini menjadi pengingat bahwa cinta tidak selalu harus rumit. Kadang-kadang, cinta hanya tentang menikmati momen bersama seseorang yang membuat hidup terasa lebih menyenangkan.
“Goodbye My Lover” adalah salah satu lagu paling emosional dan menyentuh hati dari James Blunt, dirilis pada tahun 2005 sebagai bagian dari album debutnya yang berjudul Back to Bedlam. Lagu ini dikenal karena liriknya yang mendalam, melodi piano yang melankolis, dan vokal James Blunt yang penuh perasaan, menjadikannya salah satu balada cinta terbaik dalam musik modern. Dengan cerita tentang kehilangan cinta sejati, “Goodbye My Lover” menjadi anthem perpisahan yang merangkum rasa sakit ketika harus mengucapkan selamat tinggal kepada seseorang yang pernah menjadi bagian penting dalam hidup.
“Goodbye My Lover” adalah tentang rasa kehilangan yang mendalam ketika hubungan cinta harus berakhir. Liriknya menggambarkan seseorang yang masih mencintai mantan kekasihnya, meskipun hubungan itu telah berakhir. Ada keputusasaan, nostalgia, dan rasa pasrah yang terungkap dalam baris seperti “Goodbye my lover, goodbye my friend. You have been the one, you have been the one for me.”
James Blunt pernah menjelaskan bahwa lagu ini mencerminkan pengalaman emosional yang sangat pribadi, meskipun tidak secara langsung terkait dengan kisah cintanya sendiri. Lagu ini berbicara tentang hubungan yang begitu berarti sehingga ketika berakhir, terasa seperti kehilangan sebagian dari diri kita sendiri. Banyak pendengar merasa terhubung dengan lagu ini, karena tema kehilangan dan cinta yang tak terlupakan adalah pengalaman universal.
Secara musikal, “Goodbye My Lover” dibangun di atas melodi piano yang sederhana namun penuh emosi. Piano menjadi elemen utama dalam lagu ini, menciptakan suasana yang intim dan melankolis. James Blunt menyanyikan lirik dengan vokal yang rapuh, menonjolkan rasa sakit dan kerentanan yang ia coba sampaikan.
Aransemen minimalis lagu ini membantu pendengar fokus pada lirik dan emosi yang terkandung dalam setiap kata. Ini adalah salah satu kekuatan utama dari lagu ini: kesederhanaan yang mampu menyampaikan kedalaman perasaan dengan sangat kuat.
Video musik untuk “Goodbye My Lover” menampilkan kisah perpisahan yang menggambarkan kesedihan dan penyesalan seorang pria yang kehilangan orang yang dicintainya. James Blunt sendiri tidak tampil menyanyikan lagu dalam video ini, tetapi emosinya tetap terasa kuat melalui visual yang menampilkan kenangan tentang hubungan yang telah berlalu.
Dengan latar yang melibatkan kilasan memori dan adegan penuh emosi, video ini berhasil menangkap esensi lagu sebagai cerita tentang cinta yang hilang dan dampaknya pada kehidupan seseorang.
“Goodbye My Lover” mendapat sambutan luar biasa dari penggemar dan kritikus. Meskipun tidak mencapai posisi teratas di banyak tangga lagu seperti hit Blunt lainnya, “You’re Beautiful”, lagu ini menjadi salah satu balada yang paling dikenang dalam katalog musiknya. Lagu ini sering diputar dalam acara perpisahan, upacara pernikahan yang penuh kenangan, atau bahkan pemakaman, karena kekuatan emosionalnya yang mendalam.
Keberhasilan lagu ini juga menunjukkan kemampuan James Blunt untuk menyampaikan cerita yang sangat pribadi namun tetap terasa universal, sehingga lagu ini dapat menyentuh hati pendengar dari berbagai latar belakang.
“Goodbye My Lover” adalah pengingat bahwa cinta sejati tidak selalu berakhir dengan kebahagiaan. Kadang-kadang, kita harus melepaskan seseorang yang kita cintai, tetapi kenangan tentang mereka tetap hidup dalam diri kita. Lagu ini juga mengajarkan kita tentang pentingnya merangkul rasa sakit sebagai bagian dari perjalanan hidup, karena rasa sakit itu adalah bukti betapa berharganya cinta yang pernah kita miliki.
Hingga hari ini, “Goodbye My Lover” tetap menjadi salah satu lagu perpisahan paling berkesan. Lagu ini telah menyentuh hati jutaan pendengar di seluruh dunia, dan masih sering diputar sebagai pelipur lara bagi mereka yang menghadapi kehilangan cinta. James Blunt menunjukkan dalam lagu ini bahwa musik dapat menjadi medium untuk menyampaikan emosi yang paling mendalam dan personal.
“Tears in Heaven” adalah salah satu karya paling emosional dan pribadi dari Eric Clapton, dirilis pada tahun 1992. Lagu ini lahir dari tragedi mendalam dalam hidup Clapton, yaitu kehilangan putranya, Conor Clapton, yang meninggal dunia pada usia empat tahun setelah jatuh dari lantai 53 sebuah apartemen di New York City. Dengan melodi lembut dan lirik yang penuh rasa sakit, lagu ini menjadi bentuk ekspresi duka yang menyentuh hati jutaan orang di seluruh dunia, sekaligus menjadi pengingat tentang kekuatan cinta dan kehilangan.
Lirik “Tears in Heaven” menggambarkan pergulatan emosi Clapton setelah kehilangan Conor. Baris seperti “Would it be the same if I saw you in heaven?” mencerminkan rasa rindu yang mendalam dan keraguan emosional tentang bagaimana hubungan dengan orang yang dicintai bisa berlanjut di kehidupan setelah mati. Sementara itu, lirik seperti “I must be strong and carry on” menggambarkan usaha Clapton untuk melanjutkan hidup meskipun diliputi oleh rasa kehilangan yang tak terperi.
Lagu ini bukan hanya kisah pribadi Clapton tetapi juga resonansi universal bagi siapa saja yang pernah kehilangan orang tercinta. Pesan tentang kerinduan dan harapan bertemu kembali di surga menjadi inti emosional dari lagu ini, menjadikannya sebagai pelipur lara bagi banyak pendengar.
Musik dalam “Tears in Heaven” didominasi oleh gitar akustik yang sederhana namun indah, memberikan nuansa intim dan reflektif pada lagu ini. Pilihan aransemen minimalis memungkinkan lirik dan vokal Clapton untuk menjadi fokus utama, menciptakan pengalaman mendengarkan yang sangat emosional. Vokal Clapton yang lembut dan penuh rasa sakit menyampaikan kedalaman emosinya, membawa pendengar seolah-olah merasakan kehilangan yang ia alami.
Melodi dalam lagu ini juga menjadi salah satu contoh terbaik dari gaya Clapton sebagai gitaris, di mana setiap nada mencerminkan perasaan yang ingin ia sampaikan. Tidak ada elemen yang berlebihan, semuanya terasa pas untuk mendukung suasana yang melankolis namun penuh harapan.
“Tears in Heaven” mendapatkan sambutan luar biasa dari pendengar dan kritikus. Lagu ini menduduki puncak tangga lagu di berbagai negara dan memenangkan tiga Grammy Awards pada tahun 1993, termasuk kategori Song of the Year dan Record of the Year. Lagu ini juga menjadi bagian dari soundtrack film Rush (1991), yang memperkenalkan lagu ini ke audiens yang lebih luas.
Selain itu, versi akustik dari lagu ini yang direkam untuk album MTV Unplugged Eric Clapton juga mendapat pujian besar, semakin memperkuat statusnya sebagai salah satu balada paling ikonik dalam sejarah musik. Keberhasilan ini menunjukkan bagaimana musik dapat menjadi sarana untuk menyampaikan emosi yang mendalam sekaligus menjangkau hati banyak orang.
Bagi Clapton, “Tears in Heaven” adalah bagian dari proses penyembuhan emosional setelah kehilangan Conor. Namun, pada tahun 2004, Clapton memutuskan untuk berhenti membawakan lagu ini secara langsung karena merasa bahwa ia telah melewati fase tersebut dalam hidupnya. Meskipun begitu, lagu ini tetap menjadi salah satu karya yang paling dikenang dari Clapton, tidak hanya sebagai bukti kepiawaiannya sebagai musisi tetapi juga sebagai manusia yang berani menunjukkan sisi rentannya.
Melalui “Tears in Heaven,” Clapton mengajarkan bahwa meskipun rasa sakit dari kehilangan mungkin tidak pernah hilang sepenuhnya, kita dapat menemukan cara untuk melanjutkan hidup dengan mengenang orang yang kita cintai. Lagu ini terus menyentuh hati pendengar di seluruh dunia dan menjadi simbol universal tentang cinta yang abadi, bahkan di tengah kehilangan.
Tahukah Anda bahwa suara tertinggi yang pernah direkam dalam musik berasal dari penyanyi Georgia Brown, yang mampu mencapai nada G10? Suara ini diakui oleh Guinness World Records sebagai suara manusia tertinggi yang pernah direkam.